reviews

squint 00Z  (final release)
squint 00Y 
squint 00X 
squint 00W 
squint 00V 
squint 00U 
squint 00T 
squint 00S 
squint 00R 
squint 00Q 
squint 00P 
squint 00O  Jacob Chelkowski "Babushka! Babushka!...ooooh!" 2008
squint 00N  undo (Christof Migone & Alexandre St-Onge) 2008
squint 00M  Christof Migone 2008
squint 00L  Jonathan Parant 2008
squint 00K  Simon Brown/Dylan Crichton 2008
squint OOJ  Edgar Olivier Charles
squint OOI  Françoise Blanchot (alias Alexandre St-Onge)
squint OOH  Veda Hille & Christof Migone
squint OOG  et sans
squint OOF  Cal Crawford
squint 00E  Jonathan Parant
squint 00D  Vito Acconci
squint 00C  Alexandre St-Onge
squint OOB  Sam Shalabi
squint 00A  undo

squint fucker press interview in Voce del Popolo (2002) (soon back online)
 
 
 
 

squintOOJ Edgar Olivier Charles
VITAL WEEKLY #476 Week 21

[review of squint 00J and squint 00i]
Releases on Squint Fucker Press, the label run by Christof Migone, are usually a puzzling affair, and these two are no different. The covers usually don't reveal that much information and read like cryptic texts. For instance: Edgar Olivier Charles doesn't exist, it's the alter-ego of Roger Tellier-Craig, who works as Et Sans, Le Fly Pan Am and Set Fire to Flames. So far so good. 'Rediscovered music recorded in Montreal between september 2002 and january 2005, it says on the cover and rediscovered are three tracks. In each subtitle, to each track, a name is mentioned: Iannis, Karlheinz and John - so, I'd say Xenakis, Stockhausen and Cage (well, more likely than, say Adams? Lennon?). And maybe Edgar Olivier Charles is then Varese, Messian and Ives? Strangely enough the music has quite a modern classical feel to it, or is that something I started thinking after working out all these clues. Parts are played on orchestral instruments such as violins and celli, but a fair portion exists of electro-acoustic objects and also some choir like voices. The result however is a beautiful affair of colliding instruments, sounds and textures. Very modern classical. Likewise puzzling is the latest CD by Alexandre St-Onge alias Francoise Blanchot (whatever that may mean). "This record is nothing else than a delirium about friendship and how friendship is the space of delirium. Here or there, there is a lot of animals, girls and some weirdoes singing on top of sounds shaped by a drunken bastard that likes above all other things exploring love at the limits of self-destruction and childish madness". Alexandre plays electronics, voice, contrabass, percussion, piano, saxophone, guitar, rhythmbox and organ and gets help from a whole bunch of people. Maybe a bit like Edgar Olivier Charles, this is a modern classical affair, with the scrapings of the contrabass and electronic interludes, combined with some electro-acoustic sounds. The emphasis however lies on the use of voices, which are many, human and non-human, or humans imitating animal wild-life. It's very hard to pin this release to a certain musical genre, and perhaps there is none to pin it to. Although this is a nice mishmash of styles and ideas, it's not as good as the Edgar Olivier Charles, which is altogether more coherent.
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INFRATUNES.COM Johnny One Shot

Disque de musique électro-acoustique hantée et écrite sous l'égide de trois figures tutélaires de la musique contemporaine (Iannis Xenakis, Karlheinz Stockhausen et John Cage, chacun se voyant dédier une pièce du présent disque), Et Ses Apparitions se présente comme une œuvre d'interprétation de celle des autres, texte issu de la traduction d'autres textes. A la base du projet, la volonté de « présenter ce qui est inaperçu, infiniment enfoui et prélevable, dans une matière quelconque, une œuvre déjà finie par quelqu'un d'autre, au travers d'une aussi infinie possibilité de traductions » : cette autre infinie possibilité de traductions, c'est le disque que nous avons là, lui-même traduction d'autres œuvres dans une chaîne infinie de traductions, de transmissions. Qu'Edgar Olivier Charles parle de sa musique et de ses pratiques intertextuelles en termes de traductions doit nous pousser à comprendre que pour lui, la musique est affaire de langage avant d'être affaire de sons, et qu'elle suppose que chaque œuvre soit un texte écrit dans un idiolecte propre à son créateur, à partir de timbres, de textures, de syllabes : à partir de sons. Et que donc, si la musique électro-acoustique est affaire de recherches sonores, elle demeure une écriture : composer le son, mais aussi composer les sons entre eux. Ecriture a priori irréductible aux autres puisqu'elle demande à être traduite par d'autres œuvres, un peu comme Borges se fait l'écho d'autres livres dans ses propres livres, parce que ces derniers vivent des autres. Il y a donc comme un jeu d'échanges entre l'écriture d'Edgar Olivier Charles et celle des autres, un jeu de traduction, de production systématique de texte à partir de textes supposés réels ou apocryphes (Edgar Olivier Charles a-t-il samplé des partitions de Karlheinz, John ou Iannis ? A-t-il cité leurs partitions ? Nul ne le sait, mais c'est à supposer), au fondement de l'écriture. De telle sorte que les ruines sonores dans lesquelles nous entrons dès lors que le disque tourne (ces textures granuleuses, ces vents comme autant de voix lointaines) se livrent comme des ruines habitées, hantées par des ancêtres qui vont alors parler par la voix d'Edgar Olivier Charles, écrire par sa main. Si de musique électro-acoustique il s'agit, elle est fortement teintée d'ambient : pas de geste musical brusque, pas de ruptures ou d'intrusions instrumentales violentes dans la trame sonore, mais un océan de sons, des conditions climatiques, tantôt légères tantôt se massifiées en nappes denses à l'extrême, et qui glissent les unes sur les autres, écriture musicale élaborée à partir d'autres écritures et qui se mêle à elles. Cette chaîne ininterrompue d'écritures, ce texte continu qui s'élabore et dont celui-ci n'est qu'un fragment qui figure la totalité par métonymie, fond en lui tous les compositeurs, les rend à l'anonymat, à l'état de fantômes porteurs de promesses, d'œuvres à venir. Car, si l'on en croit Edgar Olivier Charles, « le vrai sens d'une partition ou d'un instrument ou d'un corps sexué est un texte à venir. » Il ne vous reste plus qu'à prendre le relais, auditeurs, musiciens.
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sands-zine.com (Italy) Alfredo Rastelli

[review of squint 00J, squint 00I, and squint 00G]
Alexander St-Onge e Roger Tellier-Graig sono prima di tutto grandi amici e in seconda battuta eccellenti musicisti. Insieme condividono l'esperienza dei Et Sans, oltre ad una serie di scambievoli partecipazioni nei loro progetti musicali personali (non sto qui a ricordarli tutti ma basti sapere che sono al centro della musica canadese). St-Onge, inoltre, gestisce insieme a Christof Migone, la SquintFuckerPress, etichetta per cui escono i due lavori solisti degli artisti in questione. Entrambi si presentano con un alter ego in rappresentanza delle proprie persone: Alexander St-Onge assume le vesti di Françoise Blanchot, mentre Roger Tellier-Graig quelle di Edgar Olivier Charles. I punti in comune non finiscono qua: i legami col passato e i concetti di amicizia e amore, sono ricorrenti in entrambi i lavori. Spiriti affini, senza dubbio. Alexander St-Onge nei panni di Françoise Blanchot ci regala, incastonato in una bellissima copertina artigianale, forse il suo più bel disco solista, per la bellezza dei suoni e per la varietà di atmosfere in cui possiamo rintracciare molte delle sue esperienze passate; ci rientra sia il bagaglio formativo, con le influenze avanguardiste di Cage e Henri Chopin, sia gli studi da lui stesso compiuti sull'elettronica, il turntublism e le costruzioni elettro-acustiche. L'effetto è che il rumore preannunciato nel titolo è tenuto sotto controllo e reso in maniera costruttivo e 'melodico', tanto da non risultare mai efferato come ad esempio nei Morceaux De Machines, e sotto questo profilo dobbiamo considerare l'incisivo contributo apportato dalle donne di cui St-Onge si circonda, per le parti vocali (non lontane da certa psidechelia shoegaze) e viene da pensare che a causa di questa massiccia presenza femminile derivi la scelta di un moniker di tal genere. Il suono di "Et ses apparitions" è anticipato da una custodia in stile dada molto suggestiva; lo stesso Tellier-Graig si definisce un interprete e non un autore vero e proprio. Edgar Olivier Charles esprime dunque quella personalità dell'artista che si rivolge indietro al passato, al pari di un ricercatore di ricordi e di suoni, suoi o di altri, che assembla e ripropone con ciò che ne è rimasto nella sua memoria del momento. Il disco è composto da tre lunghe composizioni elettroacustiche in cui l'autore non privilegia la quiete a discapito del rumore ma anzi sviluppa entrambe le cose a fasi alterne e in modo assolutamente equilibrato e coinvolgente. Rispetto al disco di St-Onge qui il suono è meno massimalista e viene dato più spazio alla sperimentazione avant ma in termini di qualità i due amici non hanno certamente nulla da invidiarsi. Abbiamo parlato fin adesso dei loro lavori solisti, ora è invece il momento di valutare cosa sono capaci di combinare, i due, quando uniscono le loro forze. Se non vado errato "Par noussss touss les trous de vos cranes!" è il secondo disco degli Et Sans, progetto appunto di Alexander St-Onge e Roger Tellier-Graig, coadiuvati questa volta da Felix Morel (Le Fly Pan Am) alla batteria, Sophie Trudeau (Godspeed you! black emperor, Set fire to flames, Silver mt. Zion) al violino e voce e Stephen De Oliveira alla voce ed electronics. Il disco è più strutturato rispetto alle loro uscite soliste e in questo i musicisti seguono una serie di linee direttive ben definite, tanto da poterlo considerarlo, a confronto, il loro progetto 'pop'. Risulta familiare a chi ha seguito le vicende dei gruppi di riferimento or ora citati, di cui sviluppano alcune caratteristiche (reiterazione di frasi musicali, astrazione della voce, uso dell'elettronica), soprattutto penso a Le Fly Pan Am di cui gli Et Sans sembrano una versione più avant. Il gruppo sperimenta infatti sulla forma canzone e su influenze di base che vanno dal Kraut Rock alle Wave, dalla psidechelia all'elettronica. Il disco esce per la più popolare Alien8 ed è veramente un ottimo lavoro.
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squintOOH Françoise Blanchot (alias Alexandre St-Onge)
EXCLAIM July 11, 2005 Kevin Hainey

Though probably best known for his work with Montreal avant-psych units Shalabi Effect and Et Sans, Alexandre St-Onge has played an integral role in the city's constantly fluctuating and highly collaborative experimental underground. Over the years he‚s helped unite the city's Constellation Records post-rockers with the older school Ambiances Magnetiques experimental improvisers, founded the Squint Fucker Press label, released a string of solo albums and has become involved with a wide array of collaborative projects, such as Klaxon Gueule and undo. His first album under the upfront assumed alias of Francoise Blanchot finds St-Onge moving further into psychedelic realms of post-recording manipulation, where earthy yet alien sounds flow in and out of each other in a hallucinogenic mix that is as pretty and emotional as it is strange and disorienting. L'amitié comes hand-packaged in beautiful peach cardstock with pink string wrapping, and stands as an integral work by one of our country‚s most exciting and innovative experimental solo artists. This is easily one of the best avant-garde albums of the year, a fresh breath of breezy life in an often stifling and claustrophobic sect.
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VITAL WEEKLY #476 Week 21

[see above in reviews of squint OOJ]

sands-zine.com (Italy) Alfredo Rastelli

[see above in reviews of squint OOJ]

INFRATUNES.COM Johnny One Shot

Album-concept tournant autour du passage de l'amitié à l'amour, ce disque est le projet d'un multi-instrumentiste visiblement bien entouré de femmes, auxquelles cet album est peut-être dédié. Et d'ailleurs, Françoise Blanchot est un homme : Alexandre Saint-Onge. L'opération transformiste du seing comme moyen de saisir un peu plus précisément, profondément, la psyché féminine. Disque d'instruments et de voix, où se côtoient contrebasse, percussions, piano, saxophone, guitare, boîtes à rythme et orgue, ainsi que les voix de Marie-Douce Saint-Jacques, Kathryn Jutras, Maryse Poulin, Rachel Levine, Tamar Tembeck, Anni Lawrence, Madeleine Tellier-Craig et Alexandre Saint-Onge lui-même, le tout analysé et atomisé par l'électronique, au point de rendre méconnaissable toute la chair instrumentale de cet album et de ne laisser subsister qu'un infime substrat de voix. L'examen des titres semble révéler une sorte de parcours depuis un viol fondateur jusqu'au discours de l'inconnu(e)? (Saint-Onge lui-même, si on se fie à cette incertitude pesant sur le genre de l'individu en question, ainsi qu'à ce point d'interrogation qui vient faire vaciller son existence), en passant par l'amitié, la naissance du désir et une forme possible de commerce charnel. Tout ainsi aboutit à la figure de l'inconnu(e)?, épicentre d'un album qui consacre le caractère mystérieux d'un désir perçu ici comme une énigme cosmique : « L'inconnu(e)? vous demande comment le sentiment d'aimer pourrait survenir. Vous n'en savez rien. Personne ne sait. Elle vous répond : peut-être d'une faille dans la logique de l'univers. Elle dit : par exemple d'une erreur. Elle dit : jamais d'un vouloir. » S'entourer de femmes pour écrire et réaliser un projet musical, c'est donc investiguer concrètement, charnellement ce mystère, tenter de trouver une solution autant musicale que sensuelle, érotique. La multiplication des instruments comme autant de possibilité d'un dialogue lyrique et amoureux avec les muses, et l'électronique comme manière de se réapproprier, de posséder ces figures féminines. Intention séduisante qui de fait met un peu à distance le caractère digital et expérimental qui s'impose lors d'une écoute aveugle, au profit d'une lyrique, voire d'une mystique des amours multiples, selon des formats oscillant entre la musique free et la musique pop, une pop concassée, pulvérisée, informelle, aschématique et dont seules demeurent mélodies et harmonies. D'où, finalement, un étonnement de voir le désir souvent tenu en bride, lorsque la chair délaisse la musique au profit des spectres (sauf pour L'appel des bêtes intersticielles mais aussi d'une fille), comme si Saint-Onge préférait définitivement la musique aux femmes, les expériences à la chair, l'expression du désir au désir lui-même. Cette lyrique et cette mystique de l'amour s'effondrent donc d'elles-mêmes, renoncent in fine à leur projet, font marche arrière, faute de savoir où aller, faute de conviction réelle. « La chair est triste, hélas… »
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squintOOH Veda Hille & Christof Migone
Discorder CITR magazine (Vancouver, June 2004) Chris Walters

Imagine escaping from everything. What do you think you would hear? In Migone and Hille's case, they find music in a natural, organic form, without all of the re-recording. Escape Songs is a progression of sonic experiments. Find the beauty in the mistakes.
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Globe & Mail, Thursday July 29, 2004 - Page R5 Carl Wilson

[...] Escape Songs -- a cluster of miniatures made by Hille (of Vancouver, though an honorary Torontonian, known for her innovative-pop-poem song-objects) and Migone (from Montreal and New York and a maker of collages of, for instance, the sounds of cracking knuckles and knees) over the past four years. "I am in danger (shut up), I am (shut up) inanimate," Hille sigh-sings in Narrow into and above Migone's shuddering computer, each doing its part to destabilize the region. The suite eludes me even as I am immersed (shut up) in it, but I elude its grip too -- permitted to enter, leave, breathe between its assemblages, not seduced or sedated into following the same path over again from so-called beginning to so-called end.
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Vital Weekly No. 419 (Holland) Frans de Waard

The Squintfucker Press label is a highly strange label. Their covers are hard to decipher and the musical content is usually out of the ordinary. Out of the ordinary, even when it comes to 'Escape Songs' were recorded over the years 2000-2004 by Christof Migone and Veda Hille and are indeed songs. Veda sings and Migone (and Veda?) produce the music. Intimate songs that is. Small alienated sounds, an organ. Short songs. Strange songs. It's hard to tell what the songs are about. Very intimate music, very open music. From the output of the label, probably the one that is close to 'real' popmusic, but like so many of the releases also one that leaves the listener puzzled.
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sands-zine.com (Italy)

La semplicità, lo scorrere fluido e rilassato degli eventi, i tratti somatici fuggenti rendono "Escape Songs" un disco importante e capace di mettere d'accordo un po' tutti. Cristof Migone e Veda Hille battezzano un lavoro, fin dalla confezione, scarno nelle informazioni e astratto nei contenuti. L'astrazione deve essere intesa come il lato positivo dell'opera, per intero sospesa e contesa tra sensazioni, esteticamente opposte, ma complementari per la piena riuscita finale. Tutto si spiega nella contrapposizione del background dei rispettivi musicisti. Migone, (s)manipolatore elettronico attirato dalle microwave di Steve Roden e Bernhard Günter, con la Hille, differente in un passato accademico maturato, nel corso del tempo, con linguaggi di ricerca. Il titolo, canzoni che fuggono, mostra una spina dorsale fugace e spensierata e, se ciò può indurre ad una certa noncuranza dei due nell'assemblare i vari materiali, il complesso risultato finale mostra l'opposto.

"Escape Songs" è un disco articolato come non pochi, un lavoro tinto allo stesso tempo da tradizioni folk ed elettro-acustica, da disturbi(ni) glitch e da sprazzi di musica contemporanea, dalla ripetizione minimalista dei suoni e dall'uso intimista della voce, dai pacthworks concreti e dall'uso di melodie velatamente pop(peggianti). Un alone domestico racchiude tutto un operato che ha visto i due registrare i vari materiali nelle rispettive camere (l'intimità e la solitudine lasciano una loro personale scia durante tutto il tragitto) e, anche se il termine lo-fi non calza a pennello, mi piace immaginare il mood dei due legato a quella estetica del DIY, dal piglio semplice e artigianale. La voce (in fondo "Escape Songs" è un disco di canzoni, anche quando a mancare è la diretta interessata) della Hille a tratti cammina, ansima: più che cantare, preferisce procedere con andamento recitato (Sympathectomy, una stupenda ballata, si adatta al caso). Quando spetta, più raramente, a Migone fare sfoggio di ciò, lo vediamo cimentarsi nel creare intricati giochi ultra-minimali: loop vocali scarni e sussurrati sorretti dalla ripetizione lenta di uno stesso termine o parola; facile preda durante l'ascolto di Lick. Per quanto riguarda la musica: da sotto si odono echi di pianoforte (la prima traccia senza titolo fa tuffare nelle melodie sognanti dell'universo di Luciano Cilio), suoni grattugiati e granulari, pulsazioni acute fuoriuscite dal basso, voci trattate, alchimie strumentali e strumenti inconsueti e inventati, echi e risonanze di (probabili) corde, tirate e percosse, andamenti tratteggiati, suoni smussati e levigati sezionati in micro particelle, lirismi pianistici surreali, suoni striduli e sghembi, cut up(paggi) radiofonici, scampoli di ambient, paesaggi notturni e riflessivi... La dimestichezza nell'edificare un complesso emozionale, cos" vasto e compatto nell'intersecazione delle varie forme musicali, nasconde una buona dose d'improvvisazione, almeno questo è il sentore che si percepisce in più di un frangente. Se, di recente, avete apprezzato le minuziose diavolerie di Sawako, le ballate nordiche dei The Iditarod, gli inconsueti assemblaggi percussivi di Un Caddie Reversé Dans L'Herbe, il primo glitch di Oval e Mouse On Mars, i riscoperti stati di coscienza di Luciano Cilio (ancora lui) e le varie textures di Roden e compagnia, "Escape Songs", come accennato in partenza, riuscirà a cullarvi con l'ascolto in un unico blocco di tutte queste cose, in meno di un'ora.
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squint OOG et sans
The Wire Issue 253 March 2005 Size Matters column (London) David Stubbs

Et Sans is a Canadian duo comprising Roger Tellier-Craig and Alexandre St-Onge. Their 3" CD release is a mix of fucked and/or tricky sounds, some found, some created. The disc has an extended track which unspools like a long slow walk into a fortress of crickets, by listeners armed with only some thick leather gloves and a pith helmet full of molten cheese. Feet drag audibly as we dauntless explorers get deeper and deeper into the chirping castle, but swigs of cheese and delightful slaps keep us moving and alert. And then the shit really starts to come down.
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Vital Weekly No. 419 (Holland) Frans De Waard

As far as I know this their second release, following a release on Locust Music (see Vital Weekly 293). Et Sans is a duo consisting of Roger Tellier-Craig (who is a member of Fly Pan Am and Godspeed You Black Emperor) and Alexandre St-Onge (who is a member of Undo and Shalabi Effect). That first release had them playing bass, guitars and sound collages, but here the two move into a new direction. The twenty minute piece is a strange collage of mouth sounds and crackles. No bass, no guitar - it seems so at least. Much more musique concrete than free improvised. I was reminded of some of Christof Migone's work (circa 'Crackers' - see also Vital Weekly 293). A compelling work.
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sands-zine.com (Italy) Alfredo Rastelli

[see above in reviews of squint OOJ]

squintOOF Cal Crawford
erp.terra.pl Issue 12
przemek chojnacki

Born in California, presently based in Montreal, Canada, Cal Crawford (any relation to the (in)famous Cindy?) aka speech.fake is a new, and promising, figure in the world of lowercase music. "Colorless in Small Amounts" (Throat 4 3" CD-R 2002) makes a good introduction into his stuff. The twenty-minute track is a suite composed of painstakingly assembled and arranged various rumbles, drones, organic crackles, electronica, and last but not least, silence. You need to prick up your ears (or turn up your stereo) not only to actually hear the sounds, but also, more figuratively, to follow the thread which often disappears under the audibility line. A demanding but rewarding thing.
 
If you don't know how to make each copy of your release individual and unique, you may as well put the cover on a piece of concrete and hit it with a hammer. This is what was done to Cal Crawford's debut, the discs itself luckily kept away from both the hammer and the concrete. Generally, "sitting on theories on the frontier on extension" doesn't show any radical changes to the sound, comparing to the above 3" CD-R, save for some white noise in the opening piece and the silent pauses being proportionally longer. Upon closer inspection, one may find the sound matter here to feel more organic and its particular manifestations top be apparently disjointed, which brings us to the question of the album's concept and background. The pressure applied to the poor sleeves of the album doesn't seem just a whim of a blasé artist anymore when you learn that it corresponds with the pressure involved in the recording of the sounds: the microphone, rolled up into a bundle of blankets, was sat upon, pressed into skin, clothing, and even underwent an ordeal of boiling water. No horizontal progression (nor ideal immobility) can be achieved in this way so Crawford sets his magnifying glass to the instances of pressure-generated sonics. A fine work, one of those that can't be fully appreciated only by what you hear.
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All Music Guide (2003) François Couture

With this first solo album, Cal Crawford proves that he can hold his ground on sound art in the company of Christof Migone, Leif Elggren, Koji Asano and the likes. Sitting on Theories on the Frontier on Extension is a typically obscure release from Squint Fucker Press: visual presentation is reduced to a minimum (and yet manages to include a unique element, each cover having been hammered on a concrete block) and no details are given pertaining to the what, how or why of the sounds on the disc. The nine tracks don't even have titles. The press release is more generous though. "Sitting," in this case, refers to Crawford resting his behind on a pile of blankets with a microphone rolled into the middle of them. This one-hour recording served as the source material for this album, augmented by other similar recordings involving water, clothing and skin. The results are puzzling and unrecognizable. Microscopic sounds form crackling textures that are interrupted by stretches of silence. At times it evokes a contact microphone taken hostage in an ant farm; at others you'd swear it's the sound of the fish tank air pump and filter heard from within the fish tank. As in Migone's Crackers (assembled using only sounds of cracking joints), the source material rarely gives away its true nature, but its range of metamorphosis is slightly limited. Clocking in at 73 minutes, the album runs out of ideas halfway through, but still makes for a provoking experience.
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Frans de Waard, Vital Weekly

Squint Fucker Press is a small label from Canada, run by Christof Migone and Alexandre St-Onge. Their releases are truly a work of art - not greatly designed, if designed at all, but the hardly readable writing on both CDs do not make things easy. I was glad I got some extra information on a piece of paper. Also musicwise, Squint Fucker Press, likes the more extreme and conceptual approach. How about Cal Crawford's CD, which uses 'sounds generated by sitting on top of a bundle of blankets with a microphone rolled up into its center'. That was a starting point: later on he made other recordings of various types of microphones under pressure: in water, clothing, skin and even boiling water. They are all 'attempts to create a spatially extended recording from acts that lacked a movement through space and instead focused on increasing the distance of/inside specific points: pressure point'. It all sounds like a mouthful, but the muffled, crackling sounds captured in the various tracks on this CD are quite nice. If you don't know the story behind it, one may wonder what it is all about as none of the sounds on this CD seem to be related to anything we know - maybe then, in some cases, for static hiss coming from the radio, but as we know it's not. It's a strange release, a lot of times it hovers somewhere down there, in which we don't hear anything at all, sometimes it's just soft crackle and occassionally, yes, it's more audible. Captivating release.
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INFRATUNES.COM Johnny One Shot

Amateurs de musique expérimentale, si vous croyez avoir entendu tout ce qu'il est possible de tirer d'un son, avoir assisté à toutes les expériences imaginables, attendez-vous à repousser un peu plus loin les limites, avec ce disque qui parvient à des distances, des profondeurs probablement rarement atteintes dans ce qu'on nomme « musique expérimentale ». De ce point de vue, ce disque est excessif, et ce malgré sa minimalité radicale : la minimalité y est en excès. L'objet : neuf plages chacune assez longue, très souvent silencieuse, chargée ici et là de bruits blancs ou d'un son qui évoque le souffle du vent dans un micro. En réalité, le site de Squint Fucker Press nous apprend qu'il s'agit de sons générés par des pressions diverses sur le micro, par l'eau, le souffle, la chaleur aussi, les vêtements, la peau et même un tas de couvertures. Lorsqu'on monte le volume pendant les zones silencieuses, à la recherche du son soudain absent, on entend dans la microscopique ténuité résonnante tapie au fond du mix quelques chuintements, résidus d'une vie sonore réduite à son presque rien. Un atome de moins et l'on tombe dans le silence complet. Une musique à l'échelle de l'atome, en quelque sorte. Toute la musicalité développée par le disque tient à cette microscopie, cette micro-audibilité ou micro-auricularité, à la limite du silence, au bord du seuil entre ce qui est et ce qui n'est pas : un son caché dans des territoires interdits, zones d'où on ne pourra pas le débusquer. Presque rien, c'est aussi, dans les espaces les plus audibles de ce disque, un son pur augmenté de quelques harmoniques ou parasites. Une sinusoïde et quelques déchets sonores, drones, sons parasites, fragments de saleté qui viennent conférer une rugosité organique à l'abstraction. Une équation simple, des inconnues non identifiables, non digitales. Tout le problème est alors de savoir, en tant qu'auditeur, comment se situer par rapport à ce travail qui semble débouter toutes les habitudes de perception, toute la grammaire implicite de l'acte d'écoute. Entre grosse blague (conceptuelle) et œuvre ultra-théorique (conceptuelle également), la frontière est mince. Aussi ténue qu'entre le son et le silence. Je penche plutôt pour la seconde option. Si plaisir du texte (musical) il y a – car la sincérité d'une telle œuvre ne garantit pas le plaisir – il réside moins dans l'œuvre elle-même que dans ce qu'on peut penser de l'œuvre : posture par excellence de l'art conceptuel, à laquelle on souscrit (ou pas) selon le goût plus ou moins marqué que l'on éprouve à l'égard de ce genre d'essais. Je ne saurais me prononcer : à la fin, il faut bien admettre que c'est le disque – et pas moi – qui a le dernier mot, le dernier silence.

squint00E Jonathan Parant
All Music Guide (2003) François Couture

A pixelized pink-on-pink cover image with a handmade oval burn mark: That's all the information you'll get with your CD of Jonathan Parant's Littérature. Don't expect track titles, credits, or liner notes. You'll barely be able to make out the title of the album on the spine of the jewel case. All avenues of interpretation are left open and you may find that to be a blessing or a curse, depending on how much you need to know about what you are listening to. Far removed from the music of Fly Pan Am, Parant's best-known project, Littérature takes listeners to the heart of — of what, actually? Upon first contact, the music evokes the electro-acoustics of Lionel Marchetti or Leif Elggren (track seven comes very close to the mysterious shortwave frequencies of the latter's Extraction). Processed feedback, contact microphones, objects producing tiny sounds recorded up close, and ambient hums and drones are all transformed within the bowels of a computer before coalescing into this music. At times it exerts a fascination on the listener (track eight, track four), but as a whole it comes through as a somewhat clumsy album, a string of studies, exercises in sound art. The pieces lack a conceptual frame to tie them together or a hook element that would retain the listener's attention.
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squint00D Vito Acconci
THE WIRE Issue 217 March 2002 (London) Ken Hollings

New York artist Vito Acconci belongs to that generation of conceptual players, including Chris Burden and Denis Oppenheim, who were more interested in what the body can do than what it's actually made of. Early videotape performances featured Acconci shoving his hand down his throat and keeping it there until he started gagging. The highly amplified soundtrack for his 1971 video "Waterways: Four Saliva Studies", is presented both in its unedited entirety and electronically filtered by undo (Christof Migone & Alexandre St-Onge). This potentially terse exchange between physical sound-making and its digitally morphed phantom comes packaged with a blob of dried spit inside the slipcase. At least, that's what it looks like.
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squint00C Alexandre St-Onge
Montreal Mirror (September 27, 2001) Boss Sambosa

A singular blast of air interchanged with a hollow, crackly static drone are almost constant through this disc, and they serve to create an eerie, lonely, wide-open silence. Here we find Montreal's St-Onge extending himself beyond his semi-musical work in projects like Klaxon Gueule and Shalabi Effect, and truly embracing the world of absolute sound. This disc is expansive, tense, terrifying and subtle, a unique soundscape gives the listener the sense of being hopelessly lost in an open plain, surrounded by noisy machines--a perception St-Onge undoubtedly has every day of his imploded aural life. 9/10
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Revue & Corrigée 2002|06|01 (France) Manu Holterbach

Se plonger dans la musique d'Alexandre St-Onge, c'est un peu comme faire l'expérience de l'ombre. Son univers sonore semble dessiner en obscurité les contours du réel le plus ordinaire, d'une part le magnifiant, et d'autre part le faisant glisser dans une belle confusion. Car cette ombre, dont on ne sait exactement l'origine, trouble, déconcerte. Un peu comme si on pouvait rencontrer une ombre détachée de toute origine, une ombre en soi. Imaginons alors que nous pourrions nous y asseoir, nous y fondre: un petit ilot dans lequel le monde se projetterait par l'obscur. Tout y viendrait troublé, étouffé, atténué. Nous pourrions encore y voir (y entendre), mais tout serait étrangement voile et distant. Voilà ce qui se passe dans la musique d'Alexandre St-Onge, qui contrairement au paradième temporel occidental de la composition, ne contient aucun mouvement narratif quelconque, positionnant le present de l'écoute dans un point tangenciel entre passé et avenir. Raison sans doute de notre culture d'écoute impatiente et superficielle, gavée d'attentes qui exigent d'être résolues. Chez Alexandre St-Onge, il s'avère que la musique est suspendue dans un présent immobile. Pas d'avenir, pas d'avant. Tout est immédiatement là, avec cette perception particuliere que l'on a dans ]es moments de stases, ces instants bouche bée où l'on n'attend plus rien. Peut-être estce dans un instant comme celui-la qu'Alexandre St-Onge a décidé de mettre un micro dans sa bouche pour y filtrer l'insaisissable "reel" quotidien, et de l'y faire résonner en frottements avec les mouvements métaboliques. Corps résonnants de la bouche, qui devient aussi oreille, captant les echos des bruits du monde dans les cavités du crâne. Ce qui tend à révéler l'absurdité de ce que nous nommons le récl: ce n'est jamais que l'ombre de la réalité dont nous parlons. De cette facon qu'a le monde de projeter son contour au travers de nos conduits, de nos muqueuses. Rumeurs sereines, et parfois inquiètes d'un univers déboussolé, allegé de toute cardinalité. Ecouter la musique d'Alexandre St-Onge, c'est un peu s'immiscer dans un point d'une extrême etroitesse, mais qui, du fait de son étroitesse même, permettrait de capter avec une infinie acuité l'etrangeté du monde, sa sonore altérité, sans esperer y trouver quelque chose, simplement en partageant ce quelque chose. Profonde expérience de l'immanence, pour qui acceptera ce jeu secret et bouleversant. Kasi Nago est un hommage à Tystnaden (le silence) d'lngmar Berèman, on y trouve aussi un hommage parallèle au silence de 4'33" de Cage.
 
Sur le même label, Alexandre St-Onge a édité le son d'une performance de Vito Acconci, on comprend pourquoi a l'écoute: deux univers se téléscopent. UNDO (Alexandre St-Onge et Christof Migone) y vont de leur "remix", excellent disque aussi. Saluons à propos de ces deux disques, le soin particulier porté a la pochette, ce qui en fait des objets particulièrement attrayants. Merci.
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All Music Guide (2003)  François Couture

One of St-Onge's most enigmatic and captivating solo albums, Kasi Naigo "is an assay written around and based on the silent moments in Ingmar Bergman's film Tystnaden (The Silence)," the composer explains in a very brief liner note. Bergman's '60s motion picture is a gloomy tale of repressed sexuality between two sisters. Its presence is hardly ever felt on the album, except in the second piece where sighs from a lovemaking scene make their way into the aural soundscape (now, Alexandre, that's not exactly silent, is it?). Otherwise, it's all closing doors, creaky floors, and passing cars. But beyond these incidental sounds heard during silent moments, the film makes itself heard through the heavy tape hiss and muffled ambience, as if listeners were hearing the movie coming from a television set playing loudly at the other end of the house. To this basic layer (which in fact is probably made of more than one layer), St-Onge adds various undecipherable sounds that exist somewhere between the realms of digital glitch and household objects. By now you probably understand that listening to Kasi Naigo is a highly unusual experience. Reality becomes blurry: What is the movie, what is a home-made field recording, what is studio manipulation? The empty silence of "...4'33"..." (as opposed to the populated silence elsewhere and yes, it is obviously a reference to John Cage's landmark non-piece) turns oppressive when heard in this context.
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squintOOB Sam Shalabi
Montreal Mirror (March 16, 2000) Jonathan Cummins

Irritating local noise from this well-rounded musician. Four-track soundtracks from the nonexistent film Shalabi Does the Dishes.
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squint00A undo
Vital Weekly 239 (2000)

Read the fine print before you continue... I'd love to tell you all that is printed on the cover, but the very fine silkscreen is beyond reading. I'm sorry. What I use in the header is what I found in the letter that came with the CD. Alexandre St.Onge we remember from his more then fine CD on Namskeio and his more noisy outings on Alien8. Christof Migone has had likewise nice CD's, which are a little more unknown or rarely seen. Since I can't read the fine print, I am a bit in the dark about what these boys are up to here. Upon hearing we are confronted with a fine blend of dynamic sound processing of environmental sounds, cracked electronics and microscopic dabblings in the bass end. Sometimes there is just a small static sound, with crackling of a broken pick-up microphone on top.  Sometimes these elements form maybe a rhythm, borrowed from microwave areas  (as in the sixth track). I'd file this under "improvisational music from the new millenium": laptop boys with a taste of their own.
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THE WIRE Issue 199 September 2000  (London) Phil England

[...] un sperme features recordings made entirely from inside the mouth. Though this information is not given on the sleeve, it is crucial in understanding these highly minimal explorations. The duo's variations on the 'microphone in the mouth' theme (tape hiss on max, mumbled voices, sub vocal sounds, etc) are like so many shades of grey. Appropriately enough, the track titles are taken from Samuel Beckett's The Unnameable. And the grey cover is something Beckett himself might have warmed to.
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Revue & Corrigée 2002|06|01 (France) Fabrice Eglin

Brouillard contre transparence, puissance de la perturbation. Aujourdhui cinéma partout. ça donne l'idée de ce qui se déroule, progrès dans la vulgarité et coquetteries de bizut pour prime. Les expressions (sonores, visuelles…) qui réalisent la mode refusent tout questionnement de la représentation: une volonté de transparence pour ideologie métaphysique. Haine du désir, technicité, ardeur répressive… Porno? "[…] s'interroger […] sur la frontiere du visible et de l'invisible, sur l'ambition du cinéma de donner à voir l'invisible, le mystère même des êtres par les moyens du visible" écrivent Jacques Joubert et Dominique Renard dans Une partie de campagne (éd. Belin). Mehdi Belhaj Kacem d'ajouter (revue Lignes n°36): "Le porno se veut d'ailleurs heuristique et pédoyagique: il veut prévenir les corps et les formes (les "décoincer", etc.) leur dire que leurs gestes les précedent comme une ombre, et que tous ceux qu'ils pourront faire ne seront que re-production de ce que le porno montre avec une synchronie parfaite […]"
 
Transparence toujours, durant ces conversations apparemment sans mobile et sans fil où le lexique trahit: "J'assume" remplaçant "Je m'en fous", équivalence délicate du "Je gère quelque part" ("Je me rembourse" / "Je meurs en bourse"?); I'optimisme professionnel et agressif, boudeur des torsions sémantiques, la langue chargée; le cynisme à court terme. Il se conchie lui-même, entre l'être et l'étron. Mais cette haine est aussi portée à l'autre, si l'autre a pris le pouvoir du miroir inversant et renversant (1). ça thésaurise et l'envie de plus-value s'exhibe. Naturisme sentimental, tautologie du vide de la transparence. Et pourtant ce matin, c'est un peu de printemps et sa musique.
 
Un CD. Pas un de plus, réalité compactée, ça d'autres s'en chargent et ça plait, régressif et narcissique. On peut tenter d'en rire, leurs dérapages font lois… Mais ici, c'est autre chose. Et les problèmes du sens s'inaugurent avec l'objet. Aucune information. L'enigme proposée exige qu'on l'écoute et la pense, comme on gagne du terrain sur l'ignorance de l'Autre; en permanence l'inachevé. Et pas de lot de consolation, la teneur ne remplit pas l'espace affecté à la representation mais la déchire et l'ouvre d'une consistance singulière; capable d'aspirer le présent, d'instituer une séparation. ça ne nous isole ni ne nous désigne. Lieu limite. Où l'on reçoit le concret comme métaphore frontale: dérobé (mis à nu), ouvert, à l'improviste; le sens libéré dans sa puissance. Brises, bribes et debris. Et là où tout n'est qu'énigme çasérotise… ça colle au réel… Temps suspendu. Limites. Des lois, du langage, de soi ("Le sortir de soi" d'Artaud). Profanation, coupure: mise en brêche du temps et de son orientation marchande, un glissement de l'expression quotidienne (l'ordinaire), tout ce qui ne s'aligne pas et que l'on rencontre sans savoir. L'invisibilité dans sa souveraine incandescence. Rien n'est stable: éclatements d'existence, sculptures mobiles en vrilles puissantes d'imbrications - faille concrète l'intérieur rejoint l'extérieur - hologrammes fugitifs. On cède à cette force, seule capable d'offrir les champs sauvages de l'expérience. Déraison et inutilité capitales. Aux bénefices du doute l'à-faire est entendu, l'action s'oppose à la vision (ça granule, ça grésille, ça caresse, ça râpe, ça coupe: ça jouit (2))…
 
Contemplation. Italiques points de suspension, dans cette monotonie lumineuse surgissent heurts et séismes scintillants, présence diaphane de la multiplicité des matières à embras(s)er, des obstacles à féconder. Apparitions / Disparitions. Passage instable dissolution, labyrinthe monstrueux et l'âpreté en filigranes, le secret pour crime. Stratégique? Il y a là comme un au-delà de la dialectique, sans propriétaire, peut-être rien; quelque chose derrière la pensée… ça intrigue, ça joue des moments de flottements - I'écoute s'éloigne mais ne lâche pas le corps, ruptures et conflits d'espace privent la fixation (fabriquer une image, se rassurer) et obligent à construire autrement. Une autre idée du déroulement, une logique esthétique (éthique) où les matières sont élements constitutifs de l'exposé. Et propres à faire advenir le silence. Sa révolution paradoxale. Plus tard l'engramme persiste présent fragile, la fin pour suite… ailleurs Légendes des trésors cachés? Fraîcheur et lucidité se marient sans frasques dans l'irrespect du confort - I'intimité dans l'intimité - incitent au theâtre d'un lien baroque; I'altérité évanescente dans son insistance même. étrange charme d'une phénoménologie précieuse, comme le sucre se dissout dans l'eau. Sans laisser de traces visibles.
 
Acuité au centre des possibles, des souvenirs et des fantasmes qui, tour à tour, s'incarnent et se mélangent. La part maintenue entre rêve et mémoire, ce plaisir corrosif que distille l'insolence poétique; cette rivalité amoureuse de l'artiste sur le aphilosophe. à la propagande de la transparence s'oppose une poétique de la dissimulation, de l'écart. Poésie ou fumisterie récréative? D'un péril l'Autre (précarité de l'opinion), beauté polémique. Dès que le soupçon s'installe et gagne du terrain, tout disparaît. Pas de schématisation necessaire à une pédagogie trouble, pas plus l'ineffable (réflexe propriétaire et retour de la présence sacralisée). Simplement ce transport. Expérience de vie que celle de rendre sensible à chaque instant la dramaturgie de toute beauté, cette étrange sensation des matières non revendiquées - I'absence de signature - contre la forme, processus allusif et clandestin qui parasite les mécanismes explicatifs du tout rationnel sociologisant (calculs et taxinomies), déchire les ensembles représentatifs et re-lance le jeu réflexif. Engagé dans l'exploration du mystère partageable, cet acte s'inscrit dans la dépense, potlatch dont l'auteur est moins le maître que la houle porteuse. Espace en questions, il ne s'agit pas ici de spéculer sur le contenu mais de ce qui s'y décale: sa projection. Expérience fuyante, I'exprimer avec justesse nous échappe. L'agrément de la nuit traversée jusqu'à l'aube, quelles sont ces heures?
 
(1) Francois Pemer, L'amour, Séminaire 1970-71, coll. Pluriel, Hachette Littératures.
 
(2) Roland Barthes, Le plaisir du texte, Le Seuil, 1973.
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Zooebap (Barcelona) Dídac P. Lagarriga

Squint Fucker Press es el sello creado por Christof Migone y Alexandre St-Onge. Por separado o conjuntamente bajo el nombre Undo, su carrera en los últimos años se ha centrado en la manipulación de los sonidos grabados con micros, trabajando desde una posición más íntima y alejándose de una documentación paisajista al uso. Estos centros de recogida de las fuentes sonoras se encuentran mayoritariamente en su alrededor cotidiano, incluso en sus mismos cuerpos. La boca es la cámara acústica que está más próxima al oído y la puerta de entrada hacia terrenos sonoros más abstractos, pero paradójicamente estamos menos acostumbrados a escuchar lo que tenemos dentro que todas las demás fuentes externas.
 
Migone y St-Onge se centran en los microsonidos y las texturas más que en la función oral o expresiva de las cuerdas vocales, alejándose de propuestas más cercanas a la poesía sonora e, intencionadamente, reflejar lo anecdótico de su fuente. Con raíces en el arte conceptual -la primera edición de Squint Fucker Press es el sound track del video de Vito Acconci: "Waterways: Four Saliva Studies" realizado en 1971- y la música concreta y electroacústica, aparece este trabajo de título perverso: "Un sperme qui meurt de froid en agitant faiblement sa petite queue dans les draps d'un gamin". Enfocar siempre la misma posición y reenquadrarla, matizar y rematizar un lugar común -la boca-. Descuidar un momento el botón rojo o no pulsar la pausa del dat para después escupir un micro y repatchearlo en variaciones de la misma posición. Reencuadrar una muestra y remezclarse a sí mismo de forma literal -lo que a uno le emite su saliva-. Después coger alambre y envolver el cd...
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All Music Guide (2003)  François Couture

Christof Migone and Alexandre St-Onge like to keep their art mysterious, blurry, and open to multiple interpretations. This album was the first to come out on the Montréal sound art/conceptual art label Squint Fucker Press. The cardboard card serving as a booklet is printed in a tiny typeface, yellow on grey — impossible to read. Even once you manage to make out the writing, it conveys little more information — in particular, nothing is disclosed about the what and the how. The album's title could be translated to: "a sperm dying of cold while weakly wiggling its little tail between the sheets of a young boy." At the time of this recording, the two artists working as Undo were involved in extreme sound experiments involving contact microphones taped inside their mouths. Some of that may be involved here, especially in "Born of a Wet Dream and Dead Before Morning," "Pas dans un Ventre Non Plus" (Neither in a Belly), and "Quelques Débris d'Entendement au Milieu" (Some Fragments of Understanding in the Middle). These pieces sound like glitch constructions, with something much more alien and disquieting to them. Other tracks involve home recordings ("Narrow the Field of Research," "Seize Me By the Horns"), where tape hiss and background noise become the focus of the music. "Weary of Pleading an Incomprehensible Cause" features painful high-pitched sounds, but everything else is relatively comfortable, although extremely challenging and obscure. You'd better have a strong stomach.
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